As part of the exhibition Succession, Jonas Ruhs shows four large-format black-and-white photographs.

The two pairs of images, which are complementary in themselves, deal with the interrelationship between man and nature. The compilation of the images examines the appropriation of nature by humans and the resulting voids and traces. Empty spaces are created not only physically, but also metaphorically - in the spaces in which the naturalness is lost and a new, human-shaped order is created.

By consciously renouncing colour, the focus is on the structures, shapes and contrasts that shape the relationship between man and nature.

[EN] Jonas Ruhs

Jonas Ruhs works as a photographer and filmmaker in the areas of portrait, reportage and corporate. In his photography, people and the spaces they occupy are always in the foreground.

In his reports, it is essential for Jonas to create an honest and lifelike picture that visually picks up and invites the viewer to have new experiences.

In his studio work, on the other hand, he creates abstract spaces and elements with light and colors that surprise and are new to the viewer.

jonasruhs.com & @jonasruhs &

[DE] Artist Statement

Im Rahmen der Ausstellung Sukzession zeigt Jonas Ruhs vier großformatige schwarzweiß  Fotografien.

Die zwei, in sich komplementären Bildpaaren beschäftigen sich mit der Wechselbeziehung zwischen Mensch und Natur. Die Zusammenstellung der Bilder untersucht die Aneignung der Natur durch den Menschen und die dadurch entstehenden Leerstellen und Spuren. Leerstellen entstehen nicht nur physisch, sondern auch metaphorisch – in den Zwischenräumen, in denen die Natürlichkeit verloren geht und eine neue, vom Menschen geprägte Ordnung entsteht.

Durch den bewussten Verzicht auf Farbe wird der Fokus auf die Strukturen, Formen und Kontraste gelenkt, die die Beziehung zwischen Mensch und Natur prägen.

[DE] Jonas Ruhs

Jonas Ruhs arbeitet als Fotograf und Filmer in den Bereichen Portrait, Reportage und Corporate. In seiner Fotografie stehen stets Menschen und die von ihnen eingenommen Räume im Vordergrund.

Bei seinen Reportagen ist es für Jonas essenziell ein ehrliches und lebensnahes Bild zu erstellen, das visuell abholt und und die Betrachter:in einlädt neue Erfahrungen zu machen.

In seinen Studioarbeiten hingegen schafft er mit Licht und Farben, abstrakte Räumen und Elemente, die überraschen und für die Betrachter:innen neu sind.

jonasruhs.com & @jonasruhs &

(c) Jonas Ruhs

The arrangement of images by designer Fabian Fischer is an excerpt from his photographic work, in which he mainly deals with urban space and the reciprocal relationship between people and their environment.

The curation is the result of an examination of the subject of succession and its aesthetics. What is important to Fabian Fischer is the symbolic nature of the images and the resulting significance for the human-environment relationship.

The abstraction is further enhanced by the exposure on black and white paper and is in part significantly reinforced by the framing.

[EN] Fabian Fischer

Fabian Fischer studied sustainable design in Cologne. During his studies, he concentrated on communication design and photography and today combines both fields in his personal work and in his professional work as an art director in the photography industry. His artistic beginnings in graffiti still have a great impact on his work, which mainly deals with urban space and the reciprocal relationship between people and their environment.

@_fischer_

[DE] Artist Statement

Die Zusammenstellung der Bilder des Designers Fabian Fischer sind ein Auszug seiner fotografischen Arbeit, in der er sich überwiegend mit dem urbanen Raum und der wechselseitigen Beziehung von Mensch zu seiner Umwelt beschäftigt.

Die Kuration ist das Ergebnis der Untersuchung des Themas Sukzession auf seine Ästhetik. Wichtig ist Fabian Fischer dabei die Zeichenhaftigkeit der Bilder und der sich daraus ableitenden Bedeutung für die Mensch-Umwelt-Beziehung.

[DE] Fabian Fischer

Fabian Fischer studierte nachhaltiges Design in Köln. Im Studium konzentrierte er sich auf Kommunikationsdesign und Fotografie und verbindet heute beide Schwerpunkte in seinen persönlichen Arbeiten und in seiner beruflichen Tätigkeit als Art Director in der Fotografie-Branche. Seine künstlerischen Anfänge im Graffiti haben immer noch großen Einfluss auf seine Arbeiten, die sich überwiegend mit dem urbanen Raum und der wechselseitigen Beziehung zwischen Mensch und seiner Umwelt auseinandersetzen.

@_fischer_

My artistic life divides into before and after October 2018. After graduating with a Master of Fine Arts, I worked as a designer and illustrator in a design studio in Tehran. However, the work did not pose a sufficient challenge and did not meet my expectations, motivating me to discover my own artistic style. Since October 2018, I have concentrated on landscape painting (Plein air painting), leading me to decide to move to a rural area to be closer to the source of my inspiration.

My works capture images of nature, with a focus on trees occupying the environment. I explore the concept of silence in my works; after long walks through deep forests or wild meadows, nature reveals its mysterious, melancholic beauty. My paintings aim to capture the pleasure of observing nature, particularly trees, within their environment.

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I apply pen and ink for my visual language, investigating all details with the help of fountain pens and ballpoint pens. This approach has become a signature of my work. I produce my work in a meditative and continuous process, akin to organic growth. The absence of a horizontal line in my landscapes is inspired by Persian miniatures, where everything appears from above, and viewers feel they are watching a scene from a perfect world. Persian miniatures have influenced me as they mirror the oriental spirit of nature with details, representing plants in a way that shows respect for the natural world.

For me, painting is a long journey of confusion and balance. My aim is to reach simplicity, which is definitely passing through complexity. Nature is full of randomness, and this disorder is associated with harmony. I like to concentrate my artworks on chaotic scenes, reflecting a sense of stillness or purity to the viewers. Being passionate about including details in my natural artworks over a long period will enhance my artworks, and recalling the oriental atmosphere will deepen my artworks.

My works have been featured in several group exhibitions. Additionally, I had my first solo exhibition in Tehran titled 'Flare of the Meadow,' and some artworks are now held in private collections in various countries.

[EN] Mahsa Arabzadeh

Mahsa Arabzadeh, born in Ahvaz, Iran, in 1989, is an accomplished artist holding an MFA in Illustration (2016) and a BFA in Graphic Design (2012).

Her artistic journey includes participation in the 18th Tehran Auction in 2023, a group exhibition titled "Shamim" at Elahiye Gallery in Tehran in the same year, and a solo exhibition named "Flare of the Meadow" at Sharif Gallery in Tehran in 2022.

Mahsa also contributed to various group exhibitions such as "Episode 09" at Mohsen Gallery (2022), "One Decade Iranian Selected Artists" at Iranian Academy of the Arts, Saba Gallery, Tehran (2022), and a three-person exhibition titled "Trio NO5" at Sharif Gallery in Tehran in 2021.

Her participation in group exhibitions like "Nowrooz" at Saye Gallery in Tehran (2020) and "Pilot Project" at Bongahe-moamelat-honary in Tehran (2020) showcases her commitment to pushing artistic boundaries and contributing to the vibrant tapestry of contemporary Iranian art.

@mahsa.arabzade

[DE] Artist Statement

Mein künstlerisches Leben teilt sich in vor und nach Oktober 2018. Nach meinem Abschluss als Master of Fine Arts arbeitete ich als Designerin und Illustratorin in einem Designstudio in Teheran. Die Arbeit stellte jedoch keine ausreichende Herausforderung dar und entsprach nicht meinen Erwartungen, was mich dazu motivierte, meinen eigenen künstlerischen Stil zu entdecken. Seit Oktober 2018 konzentriere ich mich auf die Landschaftsmalerei (Plein-air-Malerei), was mich zu dem Entschluss brachte, in eine ländliche Gegend zu ziehen, um näher an der Quelle meiner Inspiration zu sein.

Meine Werke fangen Bilder der Natur ein, wobei der Schwerpunkt auf Bäumen liegt, die die Umgebung besetzen. Ich erforsche in meinen Werken das Konzept der Stille; nach langen Spaziergängen durch tiefe Wälder oder wilde Wiesen offenbart die Natur ihre geheimnisvolle, melancholische Schönheit. Meine Bilder sollen die Freude am Beobachten der Natur, insbesondere der Bäume, in ihrer Umgebung einfangen.

Ich verwende Feder und Tinte für meine Bildsprache und untersuche alle Details mit Hilfe von Füllfederhaltern und Kugelschreibern. Dieser Ansatz ist zu einem Markenzeichen meiner Arbeit geworden. Meine Arbeiten entstehen in einem meditativen und kontinuierlichen Prozess, der dem organischen Wachstum ähnelt. Das Fehlen einer horizontalen Linie in meinen Landschaften ist von persischen Miniaturen inspiriert, in denen alles von oben erscheint und der Betrachter das Gefühl hat, eine Szene aus einer perfekten Welt zu sehen. Persische Miniaturen haben mich beeinflusst, da sie den orientalischen Geist der Natur mit Details widerspiegeln und Pflanzen auf eine Weise darstellen, die Respekt vor der natürlichen Welt zeigt.

Für mich ist die Malerei eine lange Reise der Verwirrung und des Gleichgewichts. Mein Ziel ist es, die Einfachheit zu erreichen, die definitiv durch die Komplexität hindurchgeht. Die Natur ist voller Zufälligkeiten, und diese Unordnung ist mit Harmonie verbunden. Ich konzentriere mich in meinen Werken gerne auf chaotische Szenen, die dem Betrachter ein Gefühl der Stille oder Reinheit vermitteln. Wenn ich über einen langen Zeitraum mit Leidenschaft Details in meine natürlichen Kunstwerke einfließen lasse, wird dies meine Kunstwerke verbessern, und die Erinnerung an die orientalische Atmosphäre wird meine Kunstwerke vertiefen.

Meine Werke waren in mehreren Gruppenausstellungen zu sehen. Außerdem hatte ich meine erste Einzelausstellung in Teheran mit dem Titel "Flare of the Meadow", und einige meiner Werke befinden sich heute in privaten Sammlungen in verschiedenen Ländern.

[DE] Mahsa Arabzadeh

Mahsa Arabzadeh, 1989 in Ahvaz, Iran, geboren, ist eine anerkannte Künstlerin mit einem MFA in Illustration (2016) und einem BFA in Grafikdesign (2012).

Ihr künstlerischer Weg umfasst die Teilnahme an der 18. Teheraner Auktion im Jahr 2023, eine Gruppenausstellung mit dem Titel "Shamim" in der Elahiye Gallery in Teheran im selben Jahr und eine Einzelausstellung mit dem Titel "Flare of the Meadow" in der Sharif Gallery in Teheran im Jahr 2022.

Mahsa beteiligte sich auch an verschiedenen Gruppenausstellungen wie "Episode 09" in der Mohsen Gallery (2022), "One Decade Iranian Selected Artists" in der Iranian Academy of the Arts, Saba Gallery, Teheran (2022), und einer Drei-Personen-Ausstellung mit dem Titel "Trio NO5" in der Sharif Gallery in Teheran im Jahr 2021.

Ihre Teilnahme an Gruppenausstellungen wie "Nowrooz" in der Saye Gallery in Teheran (2020) und "Pilot Project" in der Bongahe-moamelat-honary in Teheran (2020) zeigt ihr Engagement, künstlerische Grenzen zu überschreiten und einen Beitrag zur zeitgenössischen iranischen Kunst zu leisten.

@mahsa.arabzade

"holocene" represents Maximilian Zeitler's visual exploration of our ever-changing environment, interwoven with a search for the enduring essence of nature. The series features albumen and salt paper prints inspired by magical landscapes, regions that have fostered a central understanding of nature in Zeitler's life. In Germany, where there are no more primeval forests reminiscent of the Holocene era, Zeitler creates mystical forest landscapes.

Starting from a turning point in our current time, "holocene" uses historical photographic processes rooted in the age of industrialization to visually process both personal memories and contemporary sensations. The project began in 2020, a time when the industrialized urban landscape experienced a temporary pause. During this pause, Zeitler immersed himself in the areas around Berlin and later in southern Germany to explore the essence of the forests and trees.

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It became apparent that the combination of glass negatives and silver chloride paper created an aesthetic that reflected a time that never really existed. The unique visual language of these media serves as a portal to a pristine natural world before industrialization, even though the trees depicted in the works are rarely older than 100 years. With "holocene", Maximilian Zeitler aims to transport the beauty and complexity of these altered landscapes into a visual language and question the concept of "nature" of the "antropocene" era.

[EN] Maximilian Zeitler

Maximilian Zeitler works with photographic processes from the early days of photography and produces photo series in the areas of portrait, architecture, landscape and macro photography.  The synthesis of high technical effort and subjective expression lends the photographs an intensity that invites the viewer to immerse himself in the slowness of the process and the monumentality of the landscapes.

Maximilian Zeitler is a founding member of the R116 gallery and lives in Berlin.

maximilianzeitler.com & @mfzfoto &

[DE] holocene

„holocene" steht für Maximilian Zeitlers visuelle Erkundung unserer sich ständig verändernden Umwelt, verwoben mit der Suche nach der dauerhaften Essenz der Natur. Die Serie zeigt Albumin- und Salzpapierdrucke, die von magischen Landschaften inspiriert sind, Regionen, die in Zeitlers Leben ein zentrales Naturverständis gefördert haben. In Deutschland, wo es keine Urwälder mehr gibt, die an die Zeit des Holozäns erinnern, kreiert Zeitler mystische Waldlandschaften.

Ausgehend von einem Wendepunkt in unserer eigenen Gegenwart nutzt "holocene" historische fotografische Verfahren, die ihre Wurzeln im Zeitalter der Industrialisierung haben, um sowohl persönliche Erinnerungen als auch gegenwärtige Empfindungen visuell zu verarbeiten. Das Projekt begann im Jahr 2020, einer Zeit, in der die industrialisierte Stadtlandschaft eine vorübergehende Pause erlebte. Während dieser Pause tauchte Zeitler in die Gegenden rund um Berlin und später in Süddeutschland ein, um die Essenz der Wälder und Bäume zu erforschen.

Es zeigte sich, dass die Kombination von Glasnegativen und Silberchloridpapier eine Ästhetik schafft, die eine Zeit widerspiegelt, die nie wirklich existierte. Die einzigartige visuelle Sprache dieser Medien dient als Portal zu einer unberührten natürlichen Welt vor der Industrialisierung, auch wenn die auf den Arbeiten abgebildeten Bäume selten älter als 100 Jahre sind. Mit "holocene" möchte Maximilian Zeitler die Schönheit und Komplexität dieser veränderten Landschaften in eine Bildsprache transportieren und den Begriff „Natur“ Zeitalter des „Antropozäns“ in Frage stellen.

[DE] Maximilian Zeitler

Maximilian Zeitler arbeitet mit fotografischen Verfahren aus der Anfangszeit der Fotografie und produziert Fotoserien in den Bereichen der Portrait-, Architektur-, Landschafts- und Makrofotografie.  Die Synthese des hohen technischen Aufwands und des subjektiven Ausdrucks verleiht den Fotografien eine Intensität, die den dazu Betrachter einlädt, in in die Langsamkeit des Verfahrens und Monumentalität der Landschaften einzutauchen.

Maximilian Zeitler ist Gründungsmitglied der R116 gallery und lebt in Berlin.

maximilianzeitler.com & @mfzfoto &

How does water shape the development of society? What happens when it disappears?

What still appears to be an abstract issue in a global context, has already become tangible in the south of Spain: The year 2022 was the warmest and driest year so far and 2023 does not seem to take another turn, currently leading to severe water problems. The water crisis is manifesting itself in crop failures, empty reservoirs and disappearing lagoons. Even though the climate crisis plays a significant role, it is only one piece of the puzzle. The problem is closely linked to the cultural understanding of water.

In her work 'Tierra Sin Agua', Ana Rodríguez Heinlein examines the multi-layered contexts of the water crisis in Spain. Thematic focuses are, among others, water culture, agriculture, disrupted ecosystems and living environments.

‘Tierra Sin Agua' was awarded an Honourable Mention at Encontros da Imagem Photobook Award 2023 and was shortlisted for the LUMA Rencontres Dummy Book Award 2023 and Deutscher Fotobuchpreis 2023.

96 pages, 21 x 28 cm
with texts in Spanish and German
open spine, UV print on greyboard

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[EN] Ana Rodríguez Heinlein

Ana Rodríguez Heinlein is a Spanish-German photographer based in Bremen, Gemany. Her research focuses on on themes related to the human impact on the environment and on sociocultural issues. Her work contains photo projects on the Northern Sea Island Norderney, in Belarus and Andalusia (Spain), with exhibitions in Bremen and abroad.

In 2023, she finished her MA studies in Integrated Design (focused on Editorial Design & Photography) at the University of Arts Bremen.

anarodriguez.de & @anarodriguezheinlein

[DE] Tierra Sin Agua

Wie prägt das Wasser die Entwicklung der Gesellschaft? Was passiert, wenn es verschwindet?

Was im globalen Kontext noch ein abstraktes Thema zu sein scheint, ist im Süden Spaniens bereits greifbar geworden: das Jahr 2022 war das bisher wärmste und trockenste Jahr und 2023 scheint sich nicht zu ändern, was derzeit zu schweren Wasserproblemen führt. Die Wasserkrise äußert sich in Ernteausfällen, leeren Stauseen und schwindenden Lagunen. Auch wenn die Klimakrise eine wichtige Rolle spielt, ist sie nur ein Teil des Puzzles. Das Problem ist eng mit dem kulturellen Verständnis von Wasser verknüpft.

In ihrer Arbeit "Tierra Sin Agua" untersucht Ana Rodríguez Heinlein die vielschichtigen Zusammenhänge der Wasserkrise in Spanien. Thematische Schwerpunkte sind unter anderem Wasserkultur, Landwirtschaft, gestörte Ökosysteme und Lebensräume.

“Tierra Sin Agua" wurde beim Encontros da Imagem Photobook Award 2023 mit einer ‘Honourable Mention’ ausgezeichnet und stand auf der Shortlist für den LUMA Rencontres Dummy Book Award 2023 und den Deutschen Fotobuchpreis 2023.

96 pages, 21 x 28 cm
mit Texte in Spanish and German
offene Bindung, UV print auf greyboard

[DE] Ana Rodríguez Heinlein

Ana Rodríguez Heinlein ist eine spanisch-deutsche Fotografin und lebt in Bremen, Deutschland. Ihre Forschung konzentriert sich auf Themen im Zusammenhang mit dem Einfluss des Menschen auf die Umwelt und auf soziokulturelle Fragen. Ihre Arbeit umfasst Fotoprojekte auf der Nordseeinsel Norderney, in Weißrussland und Andalusien (Spanien), mit Ausstellungen in Bremen und im Ausland.

Im Jahr 2023 schloss sie ihr MA-Studium in integriertem Design (Schwerpunkt Editorial Design & Fotografie) an der Hochschule für Künste Bremen ab.

anarodriguez.de & @anarodriguezheinlein

[DE] »Of Homage and Resistance«

Das vom Habibi Kiosk der Münchner Kammerspiele ermöglichte Recherche- und Ausstellungsprojekt beschäftigt sich mit dem ukrainischen genderfluiden Tänzer und Künstler Alexander Sacharoff, der als Wegbereiter und Pionier des modernen Tanzes gilt.

Gemeinsam haben Fotograf:in Leoni Marie Hübner und Voguer Santi Bodega Revlon basierend auf Skizzen von Alexander Sacharoff eine Choreografie und Bilder entwickelt, die Sacharoffs Posen aufgreifen und in die Welt des Voguings transportieren. Große Bühne trifft auf Subkultur, griechische Antike auf Popkultur und Mode. 

Eine Produktion des Habibi Kiosks der Münchner Kammerspiele.

In Kooperation mit dem DANCE 2023 Festival und Munich Dance Histories.

[EN] »Of Homage and Resistance«

The research and exhibition project, made possible by the Habibi Kiosk of the Münchner Kammerspiele, investigates the Ukrainian genderfluid dancer and artist Alexander Sakharoff, who is considered a pioneer and trailblazer of modern dance.

Together, photographer Leoni Marie Hübner and Voguing dancer Santi Bodega Revlon have developed a choreography and pictures based on sketches by Alexander Sacharoff that take up Sacharoff's poses and transport them into the world of voguing. The big stage meets subculture, Greek antiquity meets pop culture and fashion.

A production of the Habibi Kiosk of the Münchner Kammerspiele.

In cooperation with the DANCE 2023 Festival and Munich Dance Histories.

[DE] Leoni Marie Hübner

Leoni Marie Hübner kommt aus der Portrait- und Modefotografie, arbeitet mittlerweile aber vorrangig künstlerisch-dokumentarisch. Marie zeigt eine Welt, in der das Erscheinungsbild der Protagonist:innen zwar die Erzählung aufmacht, die Persönlichkeiten und Geschichten der Abgebildeten aber immer im Fokus bleiben. Fragen der Zugehörigkeit und ein performatives Spiel mit Identität ziehen sich wie ein roter Faden durch die verschiedenen Aufträge und Projekte.

Leoni Marie Hübner ist aktives Mitglied der Agentur Focus und lebt in Hamburg, Deutschland.

@l.marie.huebner & www.leonimariehuebner.com

[EN] Leoni Marie Hübner

Leoni Marie Hübner comes from the portrait and fashion photography, but now primarily works on artistic-documentary projects. Marie shows a world in which the appearance of the protagonists opens up the narrative, but the personalities and stories of those depicted always remain in focus. Questions of belonging and a performative play with identity run like a thread through the various commissions and projects.

Leoni Marie Hübner is an active member at Focus Agency and is based in Hamburg, Germany.

@l.marie.huebner & www.leonimariehuebner.com

[DE] Santi Bodega Revlon

Santiago Nicolas Mancera Hinestroza ist in Kolumbien geboren und seit  Kindesalter in Deutschland aufgewachsen. Er studiert Architektur an der Technischen Universität München und traf 2021 im Rahmen eines Auslandssemesters auf die Ballroom Community in der Schweiz. Seit November 2022 gehört er dem House of Revlon an, seit 2023 is er außerdem im KiKi House of Bodega. In Deutschland ist er Teil der Berliner und Münchner Ballroom Community.

[EN] Santi Bodega Revlon

Santiago Nicolas Mancera Hinestroza was born in Colombia and has grown up in Germany since childhood. He studies architecture at the Technical University of Munich and met the Ballroom Community in Switzerland during a semester abroad in 2021. He has been a member of the House of Revlon since November 2022 and the KiKi House of Bodega since 2023. In Germany, he is part of the Berlin and Munich Ballroom Community.

R116 Gallery is pleased to be presenting the group exhibition SUKZESSION in a two-part Pop Up Gallery.

SUKZESSION describes the natural and gradual return of living beings to a damaged ecosystem.

The works of the interdisciplinary artists reveal a multitude of new perspectives on the constant process of succession. In their free interpretations of succession, the participating artists not only deal with the landscape-ecological origins of the term, but also expand it to include social and socio-political components.

[DE]

R116 Gallery freut sich in einer zweiteiligen Pop Up Gallery die Gruppenausstellung SUKZESSION zu präsentieren.

SUKZESSION beschreibt die natürliche und schrittweise Rückkehr von Lebewesen in ein geschädigtes Ökosystem.

In den Werkreihen der interdisziplinär arbeitenden Künstler*innen zeigen sich eine Vielzahl neuer Perspektiven des stetigen Prozesses der Sukzession auf. In ihren freien Interpretationen von Sukzession setzen sich die teilnehmenden Künstler*innen nicht nur mit dem landschaftsökologischen Ursprung des Begriffs auseinander, sondern erweitern diesen um soziale und gesellschaftspolitische Komponenten.

Part 1: 1.12.-3.12.2023

1.12.2023

Vernissage 18:00

2.12.2023

Artist Talk 15:00

mit

Ana Rodríguez Heinlein

Leoni Marie Hübner

Santi Bodega Revlon

Maximilian Zeitler

Part 2: 19.1.-21.1.2024

19.1.2024

Vernissage 18:00

20.1.2024

Artist Talk 15:00

mit

Fabian Fischer

Mahsa Arabzade

Jonas Ruhs

R116 Gallery, Reinickendorfer Str. 116, 13347 Berlin